Am Mittwoch dieser Woche war ich seit gut eineinhalb Jahren das erste Mal wieder im Kino. Dune Part 2 hat es einfach verdient, auf einer riesigen Leinwand mit dem besten Soundsystem geschaut zu werden. Außerdem musste die Vorstellung natürlich im englischen Original laufen. Also fand ich mich am frühen Mittwochabend im Dolby Cinema Saal des Cineplexx Airport Kinos in Salzburg wieder.

Zwar hatte ich den ersten Teil vor nicht allzu langer Zeit geschaut, trotzdem wurde ich von dem dröhnenden Sardaukar-Intro überrascht. Dieses kurze, tiefe Brummen einer Stimme versetzt die Zuschauer*innen direkt in diese Welt. Denis Villeneuves Filme leben oft von ihrem Sound, genauso wie von ihren Bildern. Beides brilliert in diesem zweiten Teil. Normalerweise würde man ja davon ausgehen, dass ein zweiter Teil etwas nachlässt, die Magie des Vorgängers nicht mehr so richtig einfangen kann, da alles schon bekannt ist. Nicht so bei Dune.

Es finden sich immer wieder neue Einstellungen und konträre Szenen zu dem, was auf Arrakis passiert. Seien es die Szenen mit Imperator oder die Szenen auf dem Heimatplaneten der Harkonnen. Besonders die Bilder von Letzterem haben es mir angetan. Es wirkt noch einmal eine Abstraktionsstufe fremder, brutaler und gnadenloser, als es Arrakis je sein könnte. Arrakis gilt es zu verstehen, die Herangehensweisen, Methoden und Strategien der Fremen anzuwenden, sie zu verinnerlichen und respektieren. Dann hat man auf dem Planeten eine Chance, kann seine scheinbar unüberwindbaren Hindernisse für sich nutzen und nicht nur überleben, sondern dort zu neuer Kraft finden.

Auf Giedi Prime, wie sich die Welt der Harkonnen nennt, gilt es nichts zu verstehen, als dass der Stärkere gewinnt – der Brutalere und Rücksichtslosere. Was außerdem zu einer beklemmenden Stimmung dieser Szenen beiträgt, ist die grelle Beleuchtung. Es ist mir vorgekommen, als dass die Szenen nicht in schwarz-weiß wären, sondern der Stern dieses Systems und die Atmosphäre des Planeten zu dieser Illusion beitragen. Die Hautfarbe der Harkonnen ist dort weißer als weiß, ihre Häuser, Gebäude und Raumausstattung erscheint schwarz in tiefstem schwarz gehalten, mit minimaler, meist indirekter Beleuchtung. Es ist erdrückend, ob der schieren, gefühllosen Leeren, die diese Welt und ihre Charaktere ausstrahlen.

Der Baron ist ein fantastischer Bösewicht und eine ständig präsente Persönlichkeit, auch wenn er nicht viel Screentime hat. Trotzdem empfinde ich es als etwas schade, dass sie einen, nennen wir es, Aspekt seines Charakters, weggelassen haben. Das hätte ihm nochmal mehr zu einem absoluten, grausamen Herrscher gemacht. Aber das darf jede*r selbst im Buch entdecken.

Sämtliche Schauspieler*innen sind hervorragend gewählt und die wiederkehrenden Rollen setzen eine tolle Charakterentwicklung fort. Besonders Timothée Chalamet und Zandaya finden neue Höhen in ihren Darstellungen. Sie brillieren nicht nur in den ruhigeren Charaktermomenten, sondern auch in den exzellent choreografierten Kampfszenen. Ich hätte mir zwar gewünscht, dass die Schlussszene ähnlich ausgefallen wäre wie im Buch, aber ich bin trotzdem sehr gespannt, wie sie es im dritten Teil weiterführen werden.

Dune ist eine besondere Filmwelt, da sie sehr auf praktische Effekte setzt und visuelle Effekte fantastisch einzusetzen weiß. Man kann reale Szenen und die digital hinzugefügten Aspekte und Effekte praktisch nicht voneinander trennen. Nur in einer einzigen Szene dachte ich mir, dass es etwas auffälliger gewesen ist, aber das mag auch an der Wahl der Beleuchtung gelegen haben. Ansonsten würde ich den Film visuell als makellos bezeichnen. Davon können sich sämtliche andere großen Cinematic Universes etwas abschneiden. Lieber allen daran beteiligten Personen mehr Zeit einräumen, dann könnten mehr Filme so fantastisch kohärent aussehen wie Dune. Mit Liebe zum Detail gemacht, man spürt förmlich, wie viele Gedanken sich alle gemacht haben, was in den Film hinein soll und wie man dessen komplexe Welt gut darstellen kann.

Besonders überrascht hat mich, wie simpel es ihnen gelungen ist, das Magie-System (ein besserer Begriff fällt mir für die Fähigkeiten der Bene Gesserit nicht ein) visuell packend zu inszenieren. Insbesondere in Verbindung mit der noch ungeborenen Tochter von Jessica und dem Ritual mit dem Wasser des Lebens. Ohne eine wirkliche Erklärung und nur mit gut gewählten visuellen Eindrücken versteht man sofort, was gemeint ist und akzeptiert es als gegeben. Natürlich hilft die Lektüre des Buches, aber ich würde es nicht als Voraussetzung sehen, um in die Tiefen des Films vordringen zu können.

Ich hatte wirklich nicht erwartet, dass mich dieser zweite Teil so sehr packt. Die nicht ganz drei Stunden sind nicht spürbar. Ich hätte, ohne es zu wissen, nicht sagen können, ob ich zwei Stunden oder sechs im Kino saß und wenn ich derart das Zeitgefühl verliere, empfinde ich das stets als etwas Positives. Ich hätte gerne noch mehr Zeit in dieser Welt verbracht. Dune Part Two ist ein epischer Nachfolger, der dem ersten Film um nichts nachsteht. Von den Schauspieler*innen, über das (Sound) Design und dem fantastischen Soundtrack von Hans Zimmer haben alle Teile ineinander gegriffen, um ein episches Erlebnis zu schaffen.

Vergangenes Wochenende habe ich Boyfriend Material von Alexis Hall gelesen. Nachdem sich dieses Buch und der Nachfolger Husband Material schon seit längerer Zeit auf meinem Kindle befanden, wurde es Zeit, diese in Angriff zu nehmen. Außerdem habe ich zwischen all den Science-Fiction-Büchern, die ich in letzter Zeit gelesen habe, etwas Bodenständigeres gebraucht. Zudem wollte ich etwas lesen, wo schwule Personen und queere Charaktere im Allgemeinen vorkommen – auch als Protagonisten.

Repräsentation in verschiedensten Medien und Lebensbereichen ist wichtig. Für die breite Gesellschaft macht es die Themen, Personen und Identitäten zu etwas allgegenwärtigen und nahbaren. Für mich bedeutet es, mich selbst und meine Lebensrealität wiedergegeben zu sehen. Leider sind schwule Charaktere in populären Franchisen meist zu Nebenrollen verurteilt, wenn sie überhaupt vorkommen. Aber zum Glück gibt es genug Autor*innen, die bei verschiedensten (Indie) Publishern gute Geschichten und Bücher veröffentlichen, die auf verschiedenste Weise die unterschiedlichsten Lebensrealitäten abbilden. Genauso gibt es Plattformen wie WebToon oder Tapas, auf denen Künstler*innen ihre (Web)Comics so veröffentlichen können – genau nach der Idee, wie sie es wollen. Auch davon werde ich in den nächsten Monaten einige vorstellen.

Alexis Hall war mir schon länger ein Begriff und die Bücher (vor allem Boyfriend Material) kommen immer wieder in Bestenlisten vor. Nachdem ich nun das erste Buch selbst gelesen habe, kann ich mich dieser Meinung nur anschließen. Von der ersten bis zur letzten Seite haben mich die Charaktere von Boyfriend Material gepackt. Die Geschichte ist trotz der Länge von über 400 Seiten dicht geschrieben und es wird nie langweilig. Doch worum geht es eigentlich?

Der Ich-Erzähler des Buches ist Lucien. Sohn von zwei berühmten Rock-Stars, die ihre erfolgreichen Jahre allerdings schon hinter sich haben (vor allem seine Mutter; sein Vater hat die Familie nicht lange nach Luciens Geburt verlassen). Deshalb findet sich Lucien oft als Ziel von Klatschblättern wieder, die jede ungünstige Situation ausnutzen oder einfach peinliche Zufälle in ein schlechtes Licht zu rücken wissen. Da hilft es nicht gerade, dass sein Ex die Geschichte von ihm und Lucien für 50k£ an eines dieser Blätter verkauft hat. Zum Start des Buches ist das 5 Jahre her und er kämpft immer noch mit Vertrauens- und Bindungsängsten sowie großen Selbstzweifeln.

Er arbeitet bei einer Wohltätigkeitsorganisation, die sich der Rettung des dung beetles (also des Mistkäfer) verschrieben hat. Durch diverse Verkettungen von Ereignissen braucht Lucien ein Date zu ihrer jährlichen Spendenaktion, dem Beetle Drive, um sich in der Öffentlichkeit und bei Spendern wieder ein positiveres Image aufzubauen. Die Wahl fällt, da nicht gerade viele Optionen zur Verfügung stehen, auf Oliver Blackwood. Einem erfolgreichen, aufstrebenden Rechtsanwalt, der aber etwas steif, trocken und unflexibel rüberkommt.

Von außen betrachtet handelt es sich also um eine typische Liebesgeschichte, in der sich die beiden erst nicht ausstehen können, im Laufe des Buches aber immer näher kommen, bis sie es vielleicht doch schaffen, ihre Gefühle füreinander einzugestehen. Auf dem Weg dorthin gibt es so einige Auf und Abs, von denen man ein paar vorhersehen kann, aber die Reise dorthin ist packend geschrieben. Vor allem die Geschichte aus Luciens Perspektive zu erleben ist immer wieder spannend und eindrucksvoll. Der Autor weiß die komplexe Gefühlswelt von Lucien gekonnt einzufangen und mit viel Mitgefühl zu erzählen.

Durch vergangene Ereignisse und ist sein Selbstwertgefühl am Boden, Vertrauen kann und will er nur einer Handvoll von Freund*innen. Man will ihm wiederholt gut zureden, vor allem wenn er sich davor sträubt, das Gute zu sehen, das sich gerade in seinem Leben abspielt und sich so gesehen unbewusst selbst manipuliert. Oliver ist ebenfalls alles als perfekt, auch wenn er es immer wieder versucht zu sein und die hohen Erwartungen anderer, so gut es nur geht, zu erfüllen.

So finden Lucien und Oliver trotz ihrer vielen Differenzen eine gemeinsame Basis. Die Geschichte weiß um die Stärke der beiden Figuren und die Chemie, die sie haben. Die Dialoge und Beschreibungen von Alexis Hall sind nachvollziehbar und dadurch, dass man immer mehr von der Vergangenheit der Charaktere erfährt, durchaus realistisch dargestellt. Ich konnte mich selbst mit Teilen der Figuren identifizieren und vielleicht gerade auch deshalb das Buch einfach nicht weglegen. Wahrscheinlich ein Grund, warum ich gerade einmal drei Tage gebraucht habe, um es durchzulesen.

Die zahlreichen Nebencharaktere, die vorkommen, finden natürlich ihren Platz in der Geschichte. Es kommt nicht selten vor, das die beiden Hauptcharaktere in queeren Geschichten in einem Vakuum zu existieren scheinen und man bekommt nicht viel davon mit, was abseits dieser anbandelnden Beziehung passiert. Das ist hier anders. Vor allem die verschiedenen Dynamiken werden hervorragend dargestellt. Hinzu kommt, dass die Auftritte dieser Nebencharakter nie zu überborden werden, sodass der Fokus auf Oliver und Lucien bleibt. Sie sind das Zentrum der Handlung, vor allem Lucien, da sie aus seiner Sicht geschrieben ist. Wie es bei solchen Geschichten des Öfteren der Fall ist, kommen natürlich auch Entscheidungen und Situationen vor, wo man als Leser*in einfach nur die Hände über dem Kopf zusammenschlagen möchte. Diese sind aber immer in der Charakterisierung der Personen verankert und so zu einem gewissen Grad nachvollziehbar.

Aber auch wenn die Geschichte viele schwierige Themen anspricht, ist es nie trocken oder schwerfällig in der Erzählung. Es kommen so einige wirklich lustige Szenen und Sequenzen vor, die Boyfriend Material zu einem schönen Gesamtpaket machen. Das Buch hat mich begeistert und mitgenommen auf eine Reise, die ich so nicht erwartet hatte. Es kommt ja gelegentlich vor, dass man Bücher liest, mit Charakteren, mit denen man sich zu einem gewissen Grad identifizieren kann. Deren Mut und Entwicklung bei einem bleiben und vielleicht sogar positiv beeinflussen können. Inspiration kann von vielen Punkten ausgehen, verschiedenste Formen annehmen. Dieses Buch ist sicherlich einer davon.

Auf Büchern finden sich immer wieder interessante Aufkleber. Von denen, die verkünden, dass es eine dazu passende Serie auf einem Streaming-Anbieter gibt, dass es bald im Kino zu sehen sein wird, oder aber eine passende Lektüre für Filmfans sei. Und es mag vereinzelt durchaus so sein, dass Bücher auf Basis eines Films geschrieben werden, doch eigentlich ist die Reihenfolge andersherum. Und wenn schon ein Buch verfilmt wird, vor allem wenn es sich um ein erfolgreiches geht, ist immer wieder die Frage, was man zuerst konsumieren sollte.

In den meisten Fällen dürfte es eigentlich egal sein. Idealerweise gleichen sich die Charaktere und die grundlegenden Aspekte der Geschichte in beiden Medien. Die Unterschiede sind aber meist doch erheblich. Sei es die Sichtweise, aus der erzählt oder die Tiefe, mit der über die Charaktere berichtet wird. Dadurch sollte es aus meiner Sicht eher so sein, dass sich die beiden Varianten ergänzen und jeweils die Stärke des Mediums voll ausnutzen. Natürlich sollte man sich an die Vorlage halten, den Motiven der Autor*innen treu bleiben und nicht eine eigene Interpretation der Charaktere wiedergeben. Dabei kann man sicherlich Aspekte modernisieren, wenn die Werke bereits einige Jahre auf dem Buckel haben, aber weicht man zu sehr vom Ursprung ab, wird es schnell zu Fan-Fiction als zu einer echten Verfilmung.

Wie ich bereits berichtet habe, ging ich bei Dune erst den Weg über die Verfilmung (Das erste Mal ist entscheidend). Ich hatte mich beim Buch etwas verzettelt und parallel dazu einen Podcast gehört, der die Hintergründe erzählt. Beides war etwas viel für den Anfang. Also sah ich zuerst den Film vor drei Jahren, als dieser ins Kino kam, nachgeholt. Nun habe ich im Februar das Buch nachgeholt. Auch wenn sich meine Meinung zum Film geändert hat oder besser gesagt ich diese leicht relativieren muss, finde ich immer noch, dass Dune ein hervorragendes Beispiel dafür ist, wenn sich beide Medien ergänzen.

Zwar hatte ich den Film seit dem Kino nicht mehr gesehen, trotzdem hatte ich immer wieder die darin vorkommenden Schauspieler*innen bei der Lektüre im Kopf. Zum Teil habe ich die Szenen deutlich vor mir gesehen und konnte so die ausufernden, komplexen Dialoge umso mehr genießen. Immerhin ging ich davon aus, diese ja im Film nochmal erleben zu dürfen. Natürlich nicht in der Breite, aber ich war gespannt auf die Umsetzung im Film, da ich mich nicht mehr zu hundert Prozent erinnern konnte, was alles darin vorkam. Als ich schließlich nach der Lektüre den Film auf Apple TV ausgeliehen und angesehen hatte, war ich direkt enttäuscht, als Schlüsselszenen fehlten. Oder zumindest Szenen, von denen ich felsenfest davon ausging, dass sie im Film sind und für die Handlung relevant.

Zugegeben, ich habe mich schon sehr in das erste Buch hinein gesteigert und es in nicht einmal einer Woche verschlungen. Ich habe zuvor schon des Öfteren darüber geschwärmt (u. a. hier: Nachvollziehbare Charakterentwicklung). Es war nur überraschend zu sehen, welch ein falsches Bild ich vom Film hatte. Nicht, dass ich ihn nun für schlecht empfinden würde – auf keinen Fall. Die visuelle Umsetzung der Welt fasziniert mich weiterhin. Das Design, der Sound und die Schauspieler*innen vermitteln einen fantastischen Eindruck vom Dune-Universum.

Aber durch die komplexen Wesenszüge und Gedankenprozesse der Charaktere und deren detailliert ausgearbeiteten Schlussfolgerungen machen es schwer, dies der Vorlage getreu in einem Film darzustellen. Dazu kommt ein Magie-System (wenn man es überhaupt so bezeichnen kann), das sehr subtil arbeitet und funktioniert. Dieses wird ebenfalls meist in den inneren Monologen der Charaktere erarbeitet, als von einem Erzähler geradeheraus erläutert. Das macht Dune so faszinierend, aber eben schwierig als Film umzusetzen. Trotzdem kann ich beides nur wärmstens empfehlen. Vor allem in Kombination funktionieren sie super. Die Reihenfolge, ob zuerst Buch oder Film, ist dabei nicht so wichtig.

Matthew Dicks hat in einem seiner letzten Newsletter über einen Klienten geschrieben, der behauptete, nur unter spezifischen Bedingungen schreiben zu können.¹ Es würde bestimmte Parameter bedürfen, unter denen er arbeiten müsse. Andernfalls könnte er nicht die volle Leistung erbringen. Sei es eine bestimmte Zeit, eine gewisse Umgebung oder andere Details, die stimmen sollen. Doch Matthew Dicks stempelt das alles als Blödsinn ab. Egal wo, egal wann, man sollte immer bereit sein, kreativ zu arbeiten, da es sich manchmal einfach nicht anders realisieren lässt.

Als ich die Beschreibung seines Klienten las, habe ich zuerst gedacht: ja, das klingt nachvollziehbar. Aber sobald Dicks diese Behauptungen als Null und Nichtig abgestempelt hatte, dachte ich weiter darüber nach. Mir ist aufgefallen, dass ich meine Texte für den Blog ebenfalls immer unter denselben Bedingungen schreibe. Meist zu ähnlichen Zeiten, am selben Ort. Ich setze mich am Abend hin, häufig nach dem Abendessen, in der Küche beim Esstisch und fange an zu schreiben. Manchmal höre ich Musik, aber das kommt eher selten vor.

Ich habe mir vorgenommen, diese Routine etwas herauszufordern. Denn ich will schreiben. Täglich. Und es sollen nicht nur tägliche Texte für den Blog sein, sondern eventuell Kurzgeschichten und mehr werden. Dabei kann und will ich mich nicht auf eine Routine verlassen, die mir irgendwann im Weg stehen kann. Deshalb schreibe ich diesen Text auf der Couch sitzend, während eine Folge von Star Trek – The Next Generation läuft. Vielleicht etwas Overkill, was Ablenkungen angelangt, aber irgendwo muss man ja anfangen.

Es war, glaube ich, Malte Welding, der in einem Podcast-Gespräch mit Holger Klein gesagt hat, dass er manchmal neben Serien wie Dr. House schreibt. Oder sogar des Öfteren. Ich bin mir nicht mehr sicher. Die Gespräche, die die beiden im Laufe der Jahre in Holgis WRINT-Podcast geführt haben, sind schon einige Zeit her. Laut Weldings Wikipedia-Seite fand das letzte Gespräch 2017 statt. Aber trotzdem ist mir die Anekdote über das Schreiben, während nebenbei eine Serie läuft, im Gedächtnis geblieben.

Natürlich können solche Ablenkungen mit Sicherheit zu einem gewissen Grad helfen. Mit bestimmten Serien kann man sich in eine bestimmte Stimmung bringen oder kann sich von gewissen Charakteren, deren Eigenschaften und Fehlern inspirieren lassen. Oder aber man ist abgelenkt, während sich ein aufmüpfiger Telepath in die Routinen der Enterprise einmischt. Es ist halb lustig, aber erinnert mich eher an Young-Adult-Romane, die etwas zu vorhersehbar geschrieben sind.

Worauf ich hinaus will, denke ich, ist Folgendes: Manchmal ist es ganz hilfreich, die eigenen Routinen zu hinterfragen. Zu sehen, ob wir sie wirklich brauchen oder uns nur einreden, sie haben zu müssen, um funktionieren zu können. Ein voller Alltag, mit Arbeit, Familie und anderen Verpflichtungen, erlaubt natürlich nicht immer, sich diese Freiheit zu nehmen. Aber manchmal ist es nur jammern auf hohem Niveau. Sich einzureden, nur schreiben zu können, wenn eine bestimmte Musik läuft, die Sonne gerade richtig steht und der eine Tisch in der Ecke des Cafés frei ist, fällt mit Sicherheit in die zweite Kategorie.

1. JD Salinger: Bullets, bombs, and a book ↩︎

Wenn mich jemand fragen würde, für welche kulinarische Küche ich mich im Zweifelsfall entscheiden würde, müsste es nach reiflicher Überlegung wohl doch die mediterrane/italienische sein. Olivenöl, verschiedenste Käsesorten, Pizza und Nudeln sollten doch ein Teil der Ernährung bleiben. Zumindest meiner. Außerdem ist sie sehr variabel; was immer man auf eine Pizza tun kann oder mit dem man eine Nudelsauce verfeinern und zu etwas Besonderem machen kann, sind im Grunde keine Grenzen gesetzt. Und nein, damit meine ich nicht nur Ananas.

Nicht selten kommt es vor, dass ich mir neue Rezepte für Pizzateig heraussuche, die verschiedene Komplexitätsstufen annehmen können. Auch die Kombination verschiedener Mehle und die Wahl des Olivenöls sind selbstverständlich nicht dem Zufall zu überlassen. Von Teigen, bei denen alle Zutaten gemischt und gut verrührt werden, mit einer anschließenden Gehzeit von mindestens 48h oder zu den aufwendigeren Varianten, die immer wieder gefaltet und gestreichelt werden wollen. Es ist für alle Geschmacksrichtungen und Situationen etwas dabei. Egal, ob man viel Zeit hat oder wenig. Nur eine Gehzeit von mindestens einem Tag, kann ich allen ans Herz legen, da die Hefe richtig schön Zeit sich zu entfalten und der Teig wird etwas fluffiger und lockerer.

Der Belag kann selbstverständlich jedes Mal variiert werden. Von den verschiedensten Tomaten- oder Pizzasaucen, die das Supermarktregal hergibt, bis zu den kreativsten Käsesorten, sind der Fantasie keine Grenzen gesetzt. Doch zuweilen bleiben doch die Klassiker, wenn man so will, die Favoriten. Schinken mit Mais und vielleicht etwas Gemüse dazu. Salami mit Unmengen an Champignons. Thunfisch mit Zwiebeln und Fetakäse. Einfach nur ein guter Büffelmozzarella. Die Variationen sind schier endlos und die Kombinationen herrlich zu erkunden.

Die Pizza hat allerdings einen gewissen Nachteil, um den man nicht so recht umhinkommt. Sie muss immer in den Ofen geschoben und gebacken werden. Alles wird erhitzt, schmilzt, verbindet sich, wird geröstet, gebräunt und ergibt am Ende ein fantastisches Geschmackserlebnis. Trotzdem – es ist eben immer alles gebacken und nichts „frisch“. Deshalb war ich umso begeisterter, vor Kurzem die nicht minder leckere Pinsa für mich zu entdecken. Wie konnte sie mir nur so lange entwischen?

Der Teig wird für sich selbst dem Ofen überlassen, bäckt vor sich hin und wird köstlich gebräunt und knusprig. Erst danach wird dieser mit den gewünschten Zutaten garniert und alles frisch und saftig verzehrt. Meist bildet die Basis auf dem warmen Teig ein Häufchen (manchmal wird es ein Haufen) Rucola. Darauf verteilt werden ein paar Blätter köstlich zartem Prosciutto und einige Scheiben eines würzigen Käses. Weinkäse scheint mir hier besonders gut zu passen. Vielleicht noch etwas Paprika oder Cocktailtomaten darauf verteilt und das Ganze kann mit einer großzügigen Portion Olivenöl beträufelt werden. Oder wenn man ehrlich ist: übergossen.

Ich gehe dabei gerne so vor, dass ich nach der Rucola-Gabe mit einem großen, breiten Pizzaschneider über die Pinsa gehe und so handliche Rechtecke forme. Danach kommen die restlichen Zutaten drauf und man muss sich nicht mehr mit dem Schneiden von kleinen Stücken plagen.

Eine frisch zubereitete und gut belegte Pinsa ist eine wunderbare Köstlichkeit. Besonders wenn man einen Supermarkt findet, der diese vorgebackenen Teige anbietet, ist der Aufwand noch geringer. Ich muss mich erst noch damit beschäftigen, wie man einen ordentlichen Pinsa-Teig zubereitet und welche Geheimnisse es hier zu entdecken gibt. Aber meine kulinarische Entdeckungsreise wurde wieder einmal um ein Stück erweitert.

Vor ein paar Tagen habe ich hier einen Text veröffentlicht, mit dem Titel »Die einfachen Dinge«. Der Text fing damit an, dass ich über meine alltäglichen Spaziergänge berichtete. Schnell bin ich jedoch abgeschweift und habe mich voll und ganz auf das Thema Podcasts konzentriert. Dabei hatte ich eigentlich nur einen kleinen Schwenker in die Thematik im Sinn. Am Ende ging es über ein paar Hundert Worte, nur mehr um das Thema Podcasts und nicht um die Spaziergänge.

Nicht, dass Podcasts ein schlechtes Thema wären. Ganz im Gegenteil. Auf meiner Themenliste für Artikel und Texte habe ich so manche Notizen, die sich auf bestimmte Podcast-Episoden berufen. Manche davon sind schon etwas länger her und ich weiß natürlich nicht mehr die exakten Folgen, zu denen ich mir diese Notizen gemacht habe, aber die Themen werden ja grundsätzlich nicht schlecht. Jetzt werden sie allerdings weniger ein Kommentar zu etwas, als dass sie eine Inspiration für meine eigenen Herleitungen und Ansichten zu diesen Themen darstellen. Aber dazu mehr, wenn ich diese tatsächlich in Angriff nehme.

Dieses Mal will ich nämlich nicht allzu weit abschweifen, bevor ich auf meine eigentliche Kernaussage zu sprechen komme. Denn um was es mir bei dem Thema mit den Spaziergängen eigentlich geht und was auch der Grund für die Überschrift »Die einfachen Dinge« war, ist Dankbarkeit. Wenn wir einmal ehrlich sind, stellt sich der Alltag für die meisten von uns immer wieder ähnlich zusammen. Zumindest, wenn man es von der Vogelperspektive aus betrachtet.

Wir gehen in den meisten Fällen zur Arbeit und verbringen dort den größten Teil des Tages. Danach geht es vielleicht noch zum Supermarkt einkaufen, bevor wir schließlich wieder zu Hause ankommen. Manche betreiben Sport – dies kann im Fitnessstudio sein, im Freien oder in den eigenen vier Wänden. Zeit mit Familie oder Freunden verbringen, Abendessen zubereiten, vielleicht etwas Fernsehen/Streamen oder auch Lesen, bevor man ins Bett geht und es am nächsten Tag von vorne beginnt. Wer an dieser Stelle Ähnlichkeiten mit David Foster Wallace legendären Vortrag »This is water« erkennt, Glückwunsch – auch über den will ich seit Monaten schreiben, aber irgendwann komme ich dazu.

Aber diese scheinbare Eintönigkeit ist eben genau nur das: ein scheinbarer Mangel an Abwechslung. Denn die täglichen Aufgaben in der Arbeit wechseln sich vielleicht ab. Die Unterhaltungen und Begegnungen mit Kolleg*innen, Freund*innen und der Familie sind nie dieselben, weil wir selbst nicht jeden Tag dieselben sind. Wir verändern uns, entwickeln uns. Dabei handelt es sich um keine großen, den Atem raubende Veränderungen, sondern um inkrementellen und kontinuierlichen Fortschritt.

Ich höre immer Podcasts beim Spazieren, aber es sind nie dieselben Episoden. Es sind immer andere Unterhaltungen, auch wenn es manchmal sehr ähnliche Themen sind, die besprochen werden, so entwickeln sich auch diese Gespräche weiter, weil sich die Personen dahinter verändern. Die Gegend, durch die ich mich bewege, ist niemals dieselbe, auch wenn die Runden natürlich ähnlich sind. Genau das ist es, was es bedeutet, im Moment zu leben, zumindest für mich. Sich diese kleinen Veränderungen bewusst zu machen, immer wieder von Neuem. Die Geschichten im Alltag zu finden, die man vielleicht übersehen hätte, wenn man nicht genau hinsieht.

Dabei kann man verschiedenste Hilfen zurate ziehen. Sei es die »Homework for Life«, von Matthew Dicks, das Betreiben eines täglichen Blogs, ein Tagebuch schreiben, Dinge, die man macht und Gedanken oder Gefühle in einem Fünf-Jahres-Journal festhalten, Fotos machen – es gibt unzählige Möglichkeiten, jeden Tag intensiv zu erleben. Die guten Dinge festzuhalten, die Schlechten zu akzeptieren lernen, denn morgen gibt es eine neue Möglichkeit, es besser oder anders zu machen. Es anders zu sehen und die Welt von Neuem zu entdecken.

Dankbarkeit dafür zu entwickeln, dass man überhaupt die Möglichkeit hat, jeden Tag aufs neue zu erleben. Die Dinge, aber vor allem natürlich die Personen, die einen durchs Leben begleiten, zu schätzen wissen. Das mag jetzt vielleicht esoterisch klingen, muss es aber nicht sein. Manche haben Religion, worüber sie diese Dankbarkeit und Demut zu kanalisieren und auszudrücken lernen; andere, wie auch ich, wollen einfach nur mit einer optimistischen und positiven Grundeinstellung durchs Leben gehen. Die Zukunft als etwas Optimistisches und Erstrebenswertes sehen. Sehen zu wollen, wohin wir uns entwickeln und welche Überraschungen der morgige Tag bereithält.

Der Februar war erneut ein Lese-intensiver Monat. Es macht sich bezahlt, anstatt abends Filme und Serien zu schauen, ein Buch aufzuschlagen und darin ein bis zwei Stunden zu lesen. Oder sich an einem verregneten Wochenende in den Wintergarten zu setzen und sich dort mit Kaffee, Kuchen und einem guten Buch die Zeit zu vertreiben.

Wobei das, wie Philipp Seidel in einer Folge des Podcasts Sprechkabine einmal gesagt hat, eine interessante Beschreibung ist: ein gutes Buch lesen. Als würden sich manche zum Ziel setzen, mal wieder ein richtig beschissenes Buch zu lesen. Aber das sind solch interessante sprachliche Verwirrungen, die man mit der Zeit einfach hinnimmt, ohne sie weiter zu hinterfragen. Natürlich sollte jedes Buch, das man sich aus der Unmenge an angebotenem Material heraussucht, ein gutes sein.

Dabei ist die Zuschreibung »gut« natürlich etwas sehr Subjektives. Was die Aussage, »ich will ein gutes Buch lesen«, noch mehr ad absurdum führt. Wie dem auch sei, meine sechs Bücher, die ich im Februar las, haben mich alle durchweg begeistert. Wie ich jetzt allerdings feststellen muss, war kein einziges Warhammer-Buch dabei. Ein Versäumnis, das ich im März auf jeden Fall nachholen möchte. Die Welt von Dune hat mich die letzten eineinhalb bis zwei Wochen des Monats zu sehr in den Bann gezogen, als dass ich mich mit einem anderen Universum hätte beschäftigen wollen.

Hier die Liste der Bücher und falls ich bereits über diese geschrieben habe, sind die entsprechenden Texte daneben verlinkt:

1. Hermann Hesse: Peter Camenzind (Stadt, Land, Fluß)
2. Peter Falk: Just One More thing (Der Blick zurück)
3. Justina Ireland: Star Wars DHR: Die Bewährungsprobe (Altersgerechte Publikationen)
4. Claudia Gray: Star Wars DHR: In die Dunkelheit (Falsches Foreshadowing)
5. Frank Herbert: Dune – Der Wüstenplanet (Nachvollziehbare Charakterentwicklung)
6. Frank Herbert: Der Herr des Wüstenplaneten

Das zweite Buch von Frank Herberts Dune-Epos hat mich tatsächlich mehr gefordert als der erste Teil. Und zwar in dem Sinne, dass es ein anstrengenderes Buch zum Lesen war. Der Bruch im Stil macht sich deutlich bemerkbar und ich bin in keinen richtigen Lesefluss hinein gekommen. Das erste war zwar ebenfalls komplex und in seiner Tiefe schier grenzenlos, dem zweiten fehlt aber vielleicht in gewisser Hinsicht der rote Faden. Ich mochte die darin erzählte Geschichte sehr gerne. Jedoch machen es die vielen Ansichten der Protagonist*innen, die Planen und ihre eigenen Ziele verfolgen, insgesamt etwas schwierig, sich mit jemandem zu identifizieren – eine Bezugsperson fehlt.

Ich bin gespannt, wie das dritte Buch sich weiterentwickelt und ob es von der erzählerischen Struktur her vielleicht wieder mehr in Richtung des ersten Buches geht. Der Herr des Wüstenplaneten ist zudem ein sehr kompaktes, dicht gepacktes Buch. Die Kinder des Wüstenplaneten (also Teil 3) scheint sich allein von der Länge des Buches her bemessen, etwas mehr Zeit zu lassen, aber da lasse ich mich überraschen.

Erst einmal stehen zwei Bücher an, die schon eine Weile auf meinem Kindle warten, gelesen zu werden. Außerdem brauche ich mal wieder queere Hauptcharaktere in einer Geschichte. So modern sich die neuen Star Wars Bücher anfühlen, so sehr fehlt ihnen eine LGBTQIA+-Person als echte Protagonist*in. Daher habe ich mir schon vor einer Weile die beiden Bücher Boyfriend Material und Husband Material in einem Sale gegönnt. Zudem will ich zur Abwechslung mal wieder etwas Bodenständigeres, da die letzten Wochen doch sehr Science-Fiction-lastig waren.

Vor dem nächsten Teil der Horus Heresy (Thousand Sons) schrecke ich noch etwas zurück, da das ebenfalls wieder so ein ausufernder Schmöker zu sein scheint, der die Hälfte eines Sammelbandes einnimmt. Aber es liegen ja noch genug Bücher in der Wohnung herum, die über die Jahre ein Zuhause hier gefunden haben, allerdings nie gelesen wurden. An interessantem Lesestoff fehlt es also auf keinen Fall.

Ein Grund, warum ich keine synchronisierten Filme und Serien mehr schauen kann, sind leider die deutschsprachigen Synchronsprecher*innen. Vor allem in den vergangenen Jahren ging der Trend dahin, gerade bekannte YouTuber und TikToker oder andersgeartete Influencer*innen zu verwenden. Meist geschieht dies aus dem einfachen Grund heraus, dass sich diese gut im Marketing einsetzen lassen – wäre zumindest eine starke Vermutung meinerseits. Ungünstigerweise sind die wenigsten davon aber tatsächlich in der Lage, vor einem Mikrofon einen ordentlichen Job bei der Synchronisation zu machen. Es ist nun mal etwas anderes »Content« für Social Media und Co. zu machen, als eine filmisch dargestellte Szene mit Leben zu füllen.

Hinzu kommt, dass die Übersetzungen zuweilen krude Formulierungen zutage fördern. Es wird zu sehr darauf geachtet, dass die Lippenbewegungen exakt passen, was das ganze Unterfangen von Anfang an zum Scheitern verurteilt.

Wie wichtig es ist, dass die Personen hinter dem Mikrofon in der Lage sein müssen, den richtigen Ton für die Charaktere und Atmosphäre zu finden, merkt man besonders gut bei Hörbüchern. Früher habe ich zusätzlich zu Podcasts gerne Hörbücher gehört. So habe ich mich durch viele Stephen King Bücher gearbeitet und so manche Schmankerl entdeckt. Zum Beispiel Andreas Eschbachs »Eine Billion Dollar«. Doch schnell sucht man sich die Bücher nicht mehr nur nach den Autor*innen aus, sondern nach denjenigen, die Vorlesen. Zumindest ging es mir so. David Nathan beispielsweise wird mir immer in Erinnerung bleiben. Die Inbrunst, mit der er die Bücher liest und die Fähigkeit, diese Welten zum Leben zu erwecken, ist einmalig. Seine Leistungen bei »Es« oder »The Standing« waren phänomenal. Wer mich am meisten überrascht hat, ist der leider viel zu früh verstorbene Dirk Bach. Er hat unter anderem einige Bücher von Walter Moers vertont. Die Stadt der träumenden Bücher war meine erste Begegnung sowohl mit Moers als auch mit Bach als Sprecher und beide haben mich nachhaltig beeindruckt.

Ein anderes Beispiel wäre Critical Role, von dem ich bereits berichtet habe (Formen der Unterhaltung). Darin spielen amerikanische Synchronsprecher*innen Dungeons & Dragons. Man sieht ihnen quasi dabei zu, wie sie um einen Tisch herum sitzen und Pen&Paper-Rollenspiele spielen. Klingt vielleicht langweilig, aber auch hier zeigt sich, dass professionelle Sprecher*innen das Um und Auf sind, wenn es darum geht, in den Köpfen der Zuhörer*innen lebendige Charaktere zu erschaffen. Gleiches gilt natürlich ebenso für Schauspieler*innen, die wir in Filmen und Serien bewundern. Es geht etwas verloren, wenn man die synchronisierte Fassung schaut. (Ausnahmen wie die Bud Spencer Filme bestätigen hier die Regel.)

Besonders in Zeiten, in denen man alles streamen kann, ist es besonders einfach immer die Originalfassung zu schauen und sich dann entsprechend die Untertitel einzublenden. Seien es deutsche oder englische Untertitel. Bei Englischen kann man nebenbei sogar noch das Hörverständnis verbessern.

Aber wie ich eigentlich darauf gekommen bin, mal wieder über das Thema nachzudenken und zu Schreiben, ist tatsächlich Warhammer. Genauer gesagt, der Fantasy-Ableger davon: Age of Sigmar. In den Werbeclips für neue Figuren setzen sie seit ein paar Monaten eine neue Sprecherin ein (ich glaube zumindest, dass sie neu ist, aber zuvor ist sie mir noch nicht aufgefallen). Der irische oder schottische Akzent, ich bin mir offen gestanden nicht sicher, welcher es ist, verbunden mit der Leidenschaft und den Nuancen, mit denen sie die Geschichten hinter den Charakteren vorträgt, ist immer wieder faszinierend anzuschauen. Sie schafft es, den Figuren Leben einzuhauchen.

Gute Synchronsprecher*innen sollten mehr Platz im Rampenlicht bekommen. Vielleicht kann man es am besten mit Filmmusik vergleichen. Wenn sie gut ist, bemerkt man sie meist gar nicht. Sie wird Teil des Erlebnisses. Nur wenn sie so gar nicht passt, drängt sie sich gleichsam in den Vordergrund. Genauso ist es bei den Sprecher*innen. Deshalb sollte man diese vielleicht unterschätzte Form des Schauspiels mehr feiern.